Nueva york, 27 de septiembre.- El 10 de septiembre de 1963, la entrada más codiciada de la ciudad era para el estreno, con todas las entradas agotadas, del primer Festival de Cine de Nueva York. Aquella noche, unas 2.300 personas abarrotaron una sala del Lincoln Center para ver El ángel exterminador, de Luis Buñuel, una de las 22 películas seleccionadas para la programación principal. Antes de la llegada del video doméstico, podían pasar años hasta que una película en lengua extranjera se estrenara en los cines estadounidenses, y los cinéfilos más atrevidos estaban ansiosos por verlas.
Ese año, la gran película de Hollywood era Cleopatra, una epopeya kitsch y costosa con una Elizabeth Taylor ataviada de joyas en el papel protagonista. Fue un éxito de taquilla, pero también estuvo a punto de arruinar a la 20th Century Fox, lo que llevó a su propio productor a calificar todo el proyecto de “una locura” y a los observadores del sector a preguntarse si Hollywood podría sobrevivir si continuaba por ese camino irracional.
Los programadores del Festival de Cine de Nueva York sabían que el cine era algo más que la pomposidad de los estudios, y sus horizontes eran más amplios, más extravagantes y más ambiciosos desde el punto de vista estético. Más de medio siglo después, la industria sigue sumida en la agitación, mientras que el festival parece más fuerte y más inteligente que nunca, tras haber sobrevivido a las tormentas de Hollywood, las crisis financieras, un público voluble, los cambios en la dirección y, por supuesto, la pandemia.
Hay otros festivales más grandes y llamativos, pero lo que ofrece este evento neoyorquino es el cine en toda su esplendorosa diversidad. Hay selecciones de ficción y documentales procedentes de prácticamente todas partes (incluso de Hollywood), con una programación internacional que incluye 74 largometrajes y muchísimos cortometrajes. Como es habitual, los programadores han seleccionado obras de festivales anteriores, como Cannes, pero la oferta de este año también incluye estrenos mundiales de Paul Thomas Anderson, Ava DuVernay, Tony Gilroy y Luca Guadagnino. Incluso hay una nueva película de Godzilla. El festival tiene variedad y garra.
Este año, los grandes estudios se han mostrado reacios a proyectar sus películas en festivales, pero, de alguna manera, se ha hecho una excepción con Behemoth, de Gilroy. Se trata de un estudio de personajes puntillista sobre un violonchelista interpretado con gran emotividad por Pedro Pascal (con un impresionante manejo del arco), y la película la estrena Searchlight Pictures, una división propiedad de Disney del antiguo estudio Fox. Es una alegría ver a Gilroy, autor de películas como Michael Clayton y showrunner de Andor, volver a dirigir para la gran pantalla. Espero que siga en esto.
El festival lleva mucho tiempo dando cabida a documentales, incluso en la programación principal, otorgando a la no ficción un protagonismo del que no siempre goza en eventos similares. (El documental sobre el concierto de Anderson, Cameron Winter at Carnegie Hall, no estaba disponible en el momento de cerrar esta edición.) Y 14th es la exploración políticamente urgente que hace DuVernay de la enmienda constitucional del mismo nombre, que garantiza la ciudadanía por nacimiento, y una sólida obra complementaria a 13th, su documental de 2016 sobre dicha enmienda. Junto con un amplio elenco de expertos apasionados y cautivadores (Eric Foner, Sherrilyn Ifill, David W. Blight), DuVernay traza una línea directa entre el mito de la “Causa Perdida”, el 6 de enero y las repetidas afirmaciones del presidente Trump de que no perdió las elecciones presidenciales de 2020.
El impactante documental NAZA es una obra dura, pero imprescindible. Se trata de la última obra de Yuval Abraham y Rachel Szor, dos israelíes que, junto con dos colegas palestinos, dirigieron en 2025 el documental No Other Land, sobre el conflicto israelo-palestino en su conjunto. En esta ocasión, Abraham y Szor se centran en las acciones del ejército israelí tras los ataques perpetrados por Hamás el 7 de octubre. Las revelaciones de la película son similares a las informaciones publicadas en The Guardian y otros medios, y se basan en entrevistas nocturnas realizadas en una azotea de Tel Aviv a oficiales de inteligencia y soldados israelíes anónimos. Con detalles escalofriantes y algún que otro dibujo, los entrevistados describen los métodos secretos utilizados en el bombardeo de Gaza, secciones que los cineastas intercalan con imágenes frías y distantes, casi de vigilancia, de la ciudad y de sus habitantes en su vida cotidiana.
Tanto NAZA como el documental estadounidense Once Upon a Time in Harlem se estrenarán próximamente en los cines. Harlem es una auténtica delicia y un triunfo de la perseverancia heroica. En 1972, el gran director afroamericano William Greaves (Symbiopsychotaxiplasm: Take One) reunió a un grupo de veteranos del Renacimiento de Harlem para celebrar una fiesta en la casa adosada de Duke Ellington. Con las cámaras en marcha, el ingenio a flor de piel y el alcohol fluyendo, estos hombres y mujeres —con profundidad, alegría contagiosa y algunas discusiones animadas— hicieron que el pasado cobrara vida en el presente. Greaves, que falleció en 2014, no tuvo la oportunidad de completar el proyecto. Esa tarea recayó en su hijo, el cineasta David Greaves, quien ha realizado una película que rinde homenaje al director original y a sus protagonistas.
La gente no deja de preguntarme si he visto You Can See Everything, el documental de Nathan Fielder y Lance Oppenheim sobre la empresaria de Silicon Valley caída en desgracia Elizabeth Holmes. Lo he visto, y es alucinante. También es una investigación aguda y autorreflexiva sobre la seducción de la fama, la naturaleza de la verdad y las complejidades del propio cine documental. Holmes, fundadora de la start-up de análisis de sangre Theranos, fue condenada por fraude en 2022 y enviada a prisión. Los cineastas comenzaron a rodar el documental antes de que Holmes estuviera entre rejas y tuvieron un acceso extraordinario. A lo largo de tres horas apasionantes —con Fielder en pantalla actuando como interlocutor a la vez cauteloso y comprensivo—, los cineastas buscan insistentemente respuestas en un abismo de significado.
Suena desolador, pero, aunque You Can See Everything pueda dejarte pálido, a menudo también resulta sorprendentemente divertida, una cualidad muy de agradecer que comparte con la película de ficción de Guadagnino, Artificial. Escrita por Simon Rich, narra la trayectoria meteórica de Ilya Sutskever (Yura Borisov), un informático nacido en la Unión Soviética que, tras estudiar redes neuronales artificiales con el futuro ganador del Premio Nobel Geoffrey Hinton (Mark Rylance), conoce a un excéntrico emprendedor llamado Sam Altman (un sensacional Andrew Garfield). Junto con otros personajes ambiciosos —la astuta y cómica interpretación de Ike Barinholtz como Elon Musk es otro de los puntos destacados—, Ilya y Sam fundan OpenAI, atraviesan diversas crisis (financieras, éticas), están a punto de fracasar estrepitosamente y dan un vuelco a la realidad.
